2010/2011

Porte aperte alle 21,00 – Inizio spettacoli alle 22,00.

Nel febbraio scorso si è celebrato il cinquantesimo anniversario della scomparsa di Fred Buscaglione, insolito e geniale artista, tuttora ricordato ed amato per le sue originalissime canzoni che lo hanno reso un mito: da Teresa non sparare a Eri piccola così, da Criminal tango a Guarda che luna, da Porfirio Villarosa a Che bambola !…

Nella versione estiva e club dello spettacolo “Sono Fred dal whisky facile“, tutti questi brani sono riproposti insieme ad alcune “perle” meno conosciute, come Giorgio del lago Maggiore, ma anche ad altri grandi successi della fine degli anni ’50 come “I sing amore“; “Mambo italiano“, “Le mille bolle blu“, “Tintarella di luna” e “Nel blu dipinto di blu“..

Nei panni di Buscaglione, re dei night club di quei tempi, Franz Campi, sorprendente per  l’espressione vocale che lo avvicina tantissimo a Fred, Barbara Giorgi ed una band di eccellenti musicisti, rigorosa nella proposta musicale ma pronta anche allo scherzo, alla battuta ed alla gag.
Ed a fare compagnia alle note di Fred, protagoniste assolute dello spettacolo, anche il racconto di alcuni momenti significativi della sua vita e carriera in un mix di canzoni e parole, look da improbabili gangster anni ’50 e tanto swing, per rendere omaggio all’arte e alla simpatia di Buscaglione.

Vittorio Bonetti: voce e tastiere
Monica Hill: voce
Andrea Morelli: chitarre
Maurizio Sangiorgi: basso
Fabio Nobile: batteria
Nicoletta Bassetti: violinoin apertura:  “Sesto Senso”

Quest’anno “canzoni senza inganni”, ormai un appuntamento imperdibile al Socjale,  si presenta con due novità che renderanno ulteriormente unico il concerto.

La prima riguarda la formazione che, oltre al gruppo ormai consolidato guidato da Vittorio Bonetti  con Andea Morelli alle chitarre , Fabio Nobile alla batteria e Maurizio Sangiorgi al basso si arricchisce, al femminile, con due straordinarie artiste: Nicoletta Bassetti al violino e Monica Hill alla voce.
La seconda novità riguarda in particolare la scaletta della serata: il set  prima dei cappelletti (ormai sono il discrimine caratterizzante il Socjale!)  sarà costitutito da pezzi, anche inediti, dello stesso Vittorio e, a seguire , come da tradizione, la band proporrà il meglio della canzone d’autore italiana in un contesto rinnovato e impreziosito artisticamente..

La serata sarà aperta da una giovane formazione già apprezzata sul palco del teatro, “SestoSenso” con Andrea Morfino alla chitarra , Dario Bonetti al piano e alla voce , Davide Giuliani al basso e Nicola Nannini alla batteria.
Il gruppo, nonostante la giovane età, ama muoversi tra i classici della musica pop-rock internazionale senza disdegnare incursioni mirate anche nel panorama italiano.

Margherita Hack: voce
Ginevra Di Marco: voce cantante
Marco Vichi: voce
Francesco Magnelli: piano e magnellophoni
Andrea Salvadori: chitarre e tzouras
Luca Ragazzo: batteriasuono: Mauro De Pietri
scene: Alessandro Marzetti
produzione esecutiva: Sergio delle Cese

Il viaggio dell’uomo attraverso la terra, uno spettacolo che indaga il rapporto tra noi e l’universo che ci accoglie.
L’incontro di due ‘stelle’ nate in Toscana diventa l’occasione per indagare su alcune tematiche sociali scottanti quali immigrazione/emigrazione, nuove energie, globalizzazione, lavoro, corruzione …
Ginevra Di Marco interpreterà alcune tra le melodie tradizionali più belle su queste tematiche: brani densi di significati, valori e storia; Margherita Hack alternerà alle canzoni i suoi testi di approfondimento, puntualizzando ed espandendo i concetti con la forza della sua immensa esperienza ed il suo carisma.

Nello spettacolo ci sarà musica etnica, tradizionale e cantautorato di qualità da tutto il mondo, un viaggio verso tutti i continenti, con canti dalla Bretagna, da Cuba, dalla Macedonia, Albania, Italia del Sud, Toscana.

Cedar Walton: pianoforte
Piero Odorici: sax
Roberto rossi: trombone
Darryll Hall: bass
Willie Jones III: drumsCedar Walton Quintet è un progetto che vede l’incontro tra Cedar Walton, senza dubbio uno dei più importanti pianisti jazz viventi, il bassista Darryl Hall, il giovane batterista newyorchese Willie Jones III, ed una front line composta da due tra i migliori jazzisti italiani: Piero Odorici al sassofono, già da parecchi anni unito a Walton da conoscenza musicale e da amicizia, e Roberto Rossi al trombone.Il pianista d’origine texana è riconosciuto a tutti gli effetti come uno dei grandi interpreti del jazz moderno. Dal 1958 ha suonato, tra gli altri, con Kenny Dorham, J.J. Johnson, Gigi Gryce e il Jazztet di Art Farmer, Benny Golson, Abbey Lincoln, Lee Morgan e Hank Mobley Tra le imprese di Walton in questo periodo, c’è anche una collaborazione con John Coltrane: Walton fu il primo pianista a registrare, nell’aprile del 1959, Giant Steps.

Nel 1961 si unì ad Art Blakey, in quello che fu la più influente delle formazioni dei Jazz Messengers, con Freddie Hubbard e Wayne Shorter: all’interno dei Messengers Walton ricoprì anche il ruolo di arrangiatore principale.

Cedar Walton ha sempre proposto musica ad altissimi livelli ed è noto oltre che per le  sue riconosciute doti strumentistiche, anche per essere uno tra i più importanti compositori del jazz moderno, basti pensare a splendidi brani come “Bolivia”, “Ugetsu”, “Mosaic”, “Ojos De Rojo” o “The Maestro”, che hanno trovato il loro posto nel repertorio di Art Blakey durante il periodo che il pianista passò coi Jazz Messengers, e che sono oramai divenuti classici del jazz.

Proprio per questa ragione  il repertorio proposto dal Cedar Walton Quintet è composto principalmente da brani originali dello stesso Walton.

Cedar Walton è stato inoltre da poco insignito del premio The National Endowment for  the Arts Jazz  Masters Fellowships 2010, uno dei più alti onori che il governo americano conferisce ai musicisti che hanno dedicato la loro vita a sviluppare e promuovere la ricca tradizione del jazz. Ogni anno, dal 1982, l’Arts Endowment ha conferito il NEA Jazz Master Award alle leggende  viventi che hanno dato un grande contributo alla musica jazz.

Fabrizio Coveri “bicio”: voce
Pier Davide Fanti: batteria
Luca Medri: cori, fisarmonica, tastiere
Gioele Sindone: violino
Roberto Villa: basso
Matteo Scheda: chitarre, cori

“L’esploratore” esce a distanza di 3 anni dall’uscita del primo CD “la ballata di gino” uscito dopo la partecipazione al Festival dei Sanremo e la vittoria del premio della critica: un album sudato e molto meditato, che ha alle spalle quasi 2 anni di lavoro passati in sala prove, studi di registrazione, mixaggio e masterizzazione.
Un CD con una forte impronta personale “folk-rock” o per meglio dire “alla khorakhané“.Un gruppo che produce e suona musica cantautoriale, come un team di lavoro, un laboratorio di creazione ed elaborazione delle idee, arricchito dagli apporti musicali di molti  musicisti che hanno collaborato, tra cui fra tutti il grande MASSIMO BUBOLA, autore di “cinque monete d’oro”, un brano contenuto all’interno dell’album, dedicato proprio ai KHORAKHANE.

Il suono del nuovo CD è molto personale: è il risultato degli intrecci ritmici, armonici e melodici di fisarmonica, violino, batteria e chitarre. Un grosso merito va anche alla timbrica e all’interpretazione del cantante FABRIZIO COVERI: una voce penetrante ed intensa che rende molto personale l’interpretazione dei brani, sottolineando i concetti e le frasi significative con un grande trasporto emotivo ed un’ottima estensione.

Ad ultimo, ricordiamo anche quanto sia stato importante la continuazione della collaborazione con il poeta MARIO ULDERICI, autore di parecchi testi contenuti nell’album ed altrettanto importante l’incontro con PAOLO BOLOGNESI, Presidente Nazionale famiglie della strage di Bologna, al quale i KHORAKHANE’ hanno dedicato il singolo estratto dall’album dal titolo “non ho scordato” (vedi spiegazione testi qui sotto) nel trentennale dalla strage di bologna che ricorre proprio quest anno…in particolare ricordiamo che su questo singolo è stato girato anche un video che sarà in rotazione nei prossimi mesi sulle principali emittenti televisive dedicate ai videoclip come MTV, VIDEO ITALIA, ALL MUSIC, ecc.

Perchè la scelta del titolo dell’album: l’Esploratore?
Intanto perchè nel significato stesso della parola KHORAKHANE sta racchiuso il senso di libertà, ovvero la libertà delle “idee di muoversi veloci e libere come il vento” e poi perchè l’esploratore è il titolo di una canzone la cui spiegazione è contenuta qui sotto…ci sentiamo un po esploratori
e spettatori di un mondo che in parte è dentro di noi e in parte è fuori di noi…luoghi fisici e luoghi dell’anima…esploratori attenti a non dimenticare la nostra storia e quindi da dove veniamo e attenti a non sopprimere l’immaginazione del nostro futuro, e cioè dove andremo domani e chi saremo
domani…

Igor Njego: gajda, kaval, def, darabuka
Marco Ferrari: nay, kaval, clarinetto
Vangelis Merkouris: voce, ud, tambura, saz
Aleksei Asenov: fisarmonica, darabuka
Aleksandar Karlic: voce, oud, tàmbura, chitarre, tapan, defI Balkan Jam sono l’incontro tra il cantante e polistrumentista jugoslavo Aleksnadar Karlic, lo straordinario fisarmonicista bulgaro Aleksej Asenov ed alcuni tra i migliori musicisti europei – degli autentici virtuosi – specializzati nei repertori dell’Est Europa e del Medio Oriente. Aleksandar Karlic & Balkan Jam ha esordito al Mittelfest (edizione 2007) nello spettacolo “Natura morta” di Roberto Andò, con Isabelle Huppert e Moni Ovadia.A breve la realizzazione del primo CD del gruppo, per la storica casa discografica Nota di Udine, tra le prime e più impegnate etichette italiane sul fronte dei repertori etnici.

I Balcani sono il luogo dove nessun delirio nazionalista riesce a cancellare, nonostante tutto, i viaggi di andata e ritorno incessanti, continui, tra note greche e turche, serbe e bosniache, bulgare, macedoni, zingare, ebraiche … tra il passato ed il futuro, tra lo struggimento infinito e l’allegria feroce.

Ai musicisti che ci hanno preceduti va la nostra più profonda riconoscenza per aver sottratto all’oblio questo repertorio di inestimabile valore e per avercelo trasmesso. Per farci gioire o piangere, ancora oggi, nella buona e nella cattiva sorte, a tutti noi, “nativi” o “stranieri”, nel luogo d’origine come in esilio… oppure ancora, in viaggio.

” Durante il corso di questa grande e strana lotta che si svolgeva da secoli tra due credenze, per la terra e per il potere col pretesto di fede, gli avversari si erano strappati l’un l’altro non solo le mogli, i cavalli e le armi, ma anche le canzoni, e molte poesie erano passate dagli uni agli altri, come un bottino prezioso…” ( Ivo Andric, scrittore jugoslavo, premio Nobel )

16 elementi, 12 fiati presentano il meglio degli anni 30 e 40
dalle orchestre di Benny Goodman, Glenn Miller e Artie Shaw.La NP Big Band, orchestra composta da 17 musicisti, è nata nel 2008 con l’obiettivo di dedicarsi alla musica da ballo Swing delle grandi orchestre americane degli anni ’30 e ’40.
Il repertorio, ovviamente, attinge principalmente da quello delle orchestre di Benny Goodman, Glenn Miller e Artie Shaw, ma con significative presenze di pezzi di altre grandi orchestre dell’epoca.
L’orchestra ha debuttato in occasione del Be-Lindy Camp 2008 di Genova (novembre 2008), e ha partecipato alle edizioni 2009 e 2010  due più importanti Festival Swing italiani: lo “Swing, Brother, Swing” di Bologna e lo “Swing Crash Festival” di Como.

La NPBB ha partecipato (unica formazione italiana) al Rock That Swing Festival 2010 di Monaco di Baviera, ed è stata l’unica band fra quelle invitate (provenienti da tutta Europa) a esibirsi due volte: sia nella serata di apertura, sia nel Gala del sabato sera.

I componenti della NP Big Band sono: Massimo Rapetti, Orlando Coccoglioniti, Grazia Favale e Enrico Oliveri, Trombe; Andrea Calcagno, Barbara Sorbara, Ian Veronese, Tromboni; Paolo Maffi e Roberto Trabona, Sax Contralto; Paolo Piccardo, Sax Tenore e Clarinetto; Matteo Bariani, Clarinetto e Sax Tenore, Antonio Maffezzoni, Sax Baritono e Soprano; Davide Rossi, Piano; Renzo Luise, Chitarra; Roberto Resaz, Contrabbasso; Rudy Cervetto, Batteria, Erica Bava, Vocal

Teo Ciavarella: piano e arrangiamenti
Agata Leanza: voce
Leo Carboni: tromba
Lele Barbieri: batteria
Davide Garattoni: basso

Ormai un appuntamento che riproponiamo ogni stagione per ampliare lo spettro dei generi che si possono realizzare in teatro, per ricordare quanto si rappresentava qui nel passato e per ridare l’opportunità a tutti, a partire dai cittadini di Piangipane, di poter fruire di una serata straordinaria ad un  costo contenuto!Serata realizzata con il contributo del Circolo P.D. Circoscrizione di Piangipane.

Sono molti anni che i cinque condividono la passione per il blues e finalmente è giunta la decisione di fare un concerto e non potevano che intitolarlo “Blues Reunion”.

Difficile riassumere in poche righe la carriera e le esperienze dei cinque
musicisti, anni on the road, come vuole la filosofia del blues, li ha portati a
suonare ovunque e con chiunque, dove per “ovunque” si intendono i maggiori festival e locali europei e americani e per “chiunque” i nomi più quotati del panorama blues (e non solo) mondiale.

Esperienza ,abilità e tecnica, si sommano a creatività, personalità e feeling, per dare vita ad un’esibizione di alto livello, unica e coinvolgente.

Primo concerto in Italia al Teatro Socjale di Piangipane, assolutamente da non perdere.
Una bellissima idea “nostrana” da esportare ovunque!

Una sfida ardua soprattutto per Charlie, Lucky e Rico che si trovano ad affrontare la patata bollente del canto. Nessuno canta come Elvis, anche se ci sono bravi impersonatori. I Good Fellas arrangiano i brani col loro consueto stile rockin’ swing e li interpretano con rispetto e personalità, dando un tocco originale a grandi classici del repertorio del ragazzo di Tupelo.

In realtà sono diversi anni che i Bravi Ragazzi accarezzano l’idea di uno spettacolo su Elvis; si cercano partecipazioni importanti al progetto nel mondo del rock’n’roll italiano, ma, dopo diversi entusiastici assensi, come spesso succede, tutto si risolve in un nulla di fatto.

Come sempre, si deve fare tutto in proprio. In un solo mese di lavoro, partendo dalla ricerca dei brani, agli arrangiamenti, alle prove, lo spettacolo va in scena; la risposta del pubblico è estremamente positiva, ed immediatamente i fans ne chiedono una prova su disco.
Nasce cosi il cd “HE WAS THE KING”, assolutamente per volontà popolare. A testimonianza che la musica e la figura di Elvis Presley sono ben lontani dal tramontare.
Lo spettacolo dal vivo comprende oltre venti canzoni, dal repertorio della fine degli anni cinquanta, passando per bellissime melodie tratte dai suoi film fino alla fine degli anni sessanta.

Per ulteriori info e foto:
www.goodfellasitaly.com

Dopo il successo raccolto da Francini con il tour de La Ballata del lavoro che non c’è, lavoro discografico divenuto poi spettacolo itinerante, MERAVIGLIOSO – Omaggio a Domenico Modugno accompagna lo spettatore in un ideale viaggio a ritroso nel tempo a ricostruire i momenti-chiave della vita di un artista che ha caratterizzato il panorama culturale dell’Italia del secondo Novecento nella musica, nel cinema e nel teatro.

Le canzoni, i testi, la poesia e le collaborazioni con grandi autori – da Franco Migliacci a Riccardo Pazzaglia – sono lo spunto e l’ispirazione dello spettacolo MERAVIGLIOSO.

Un viaggio, dunque, in cui la musica di Modugno, rivisitata con strumenti acustici, si alterna alle letture dei testi più significativi e densi di un uomo del sud che ha cambiato l’Italia.

PIOVE (CIAO CIAO BAMBINA) | LAZZARELLA | NEL BLU DIPINTO DI BLU (VOLARE) | VECCHIO FRACK | IO, MAMMETA E TU | RESTA CU ‘MME | STRADA ‘NFOSA | NOTTE DI LUNA CALANTE | L’AVVENTURA | ‘O CCAFÈ | LU PISCI SPADA e molte altre…

Per ulteriori info e foto: MARCO FRANCINI www.myspace.com/marcofrancini

Pensiamo invece che il modo migliore per fare un tributo ad un artista sia quello di incarnarne lo spirito, cercando di interpretarne il pensiero, di esprimerne il feeling e di infonderne al pubblico la vera natura artistica, attraverso la spontaneità dei gesti e attraverso la grinta e la voglia di suonare proprio quei pezzi.

Il risultato deve essere un sincero e sentito omaggio al gruppo più emozionante di tutti i tempi.

Da ottobre 2006 nasce il progetto teatrale dei Killer Queen: “A Night at the Opera”

Un modo diverso di scoprire Freddie Mercury e i Queen sotto una luce più pacata ed intima.
Arie soffuse ed eleganti.
La riscoperta della bellezza di brani noti, e di un repertorio meno conosciuto, reinterpretati in chiave acustica.

Per ulteriori info e foto:

http://www.killerqueen.it/

Il tutto è arricchito da testi tra visione e denuncia sociale siglato da FELMAY ormai storica etichetta torinese (Mau Mau-Daniele Sepe- Riccardo Tesi ecc…).

Dalla Romagna con furore, non perdeteli dal vivo.

Biografia dei Gattamolesta (pdf – 32,4 KB)

Ennio Marchetto (Venezia, 20 febbraio 1960) è un comico, attore, cabarettista e trasformista italiano. Trasformista, porta da quasi 20 anni in scena uno spettacolo comico, misto di trasformismo, mimo, danza e origami.
Solo sul palco, senza aiuto dietro le quinte, Marchetto cambia personaggio quasi ogni minuto, spesso davanti agli occhi del pubblico. I suoi costumi, le sue parrucche e gli accessori sono tutti bidimensionali e fatti di carta e cartoncino, come un cartone animato vivente. Con un repertorio di oltre 350 personaggi, dalla musica pop alla lirica, da opere d’arte a personaggi della mitologia, il suo show cambia continuamente per adeguarsi al pubblico ed ai fenomeni del momento.
Ha ricevuto diversi premi e nomination, come il Drama Desk Award a New York per miglior spettacolo off-Broadway e il Laurence Olivier Award a Londra per il miglior spettacolo comico. Lo spettacolo è stato visto sul palcoscenico e televisioni di oltre 80 paesi.Biografia
Nel 1985 Pina Bausch e uno stage con Lindsay Kemp stimolano in lui la passione per il teatro, il mimo e la danza. Nel 1986 si trasferisce per un anno a Parigi, dove lavora in vari cabaret.
Nel 1988 vince il 4º concorso per nuovi comici La “Zanzara d’Oro”, nello stesso anno inizia la collaborazione con il designer olandese Sosthen Hennekam che crea per lui tanti nuovi personaggi e modi di trasformazioni. Nel 1990 partecipa al Festival di Edimburgo dove ottiene un successo di critica e pubblico. Da Edimburgo seguono il West-End di Londra, dove ritorna per 6 volte negli anni seguenti. Da qui inizia il tour che da oltre 20 anni lo porta su palcoscenici in tutt’il mondo, da La Cigale di Parigi al Radio City Music Hall di New York, ma anche su palcoscenici di paesi normalmente poco visitati da artisti internazionali come Etiopia o Namibia. Altri festival internazionali di rilievo dove partecipa includono il Just For Laughs a Montreal, Womad a Bath o il Meltdown Festival di Londra.
Nel 1993 la rete tv ITV gli dedica, nella serie “Celebrations”, un documentario di 60 minuti filmato a Venezia e Londra, intitolato “Paper Marilyn”, dove viene ricostruito il suo percorso artistico a partire dall’infanzia veneziana. Il suo show partecipa a diverse trasmissioni televisivi di rilievo come la prima MTV European Music Awards a Berlino, le celebrazioni del bicentenario di Hans Christian Andersen a Copenhagen e diversi Royal Variety show a Londra.
Un suo spettacolo, registrato al teatro Goldoni di Venezia è stato mandato in onda diverse volte sulla rete satellitare SKY.

Premi
•    Laurence Olivier Award (nomination Best Entertainment di Londra)
•    Drama Desk Award (nomination “Unique Theatrical Experience” dei teatri “off-Broadway” di New York)
•    Leone d’Oro (Festival di musica di Venezia)
•    Garland Award (Miglior Costumi teatrali, Los Angeles)
•    Sebastià Gasch (Premio della Stampa, Barcelona)
•    Performance d’Acteur (Miglior spettacolo, Festival teatrale di Cannes)
•    Zanzara d’Oro (miglior comico nuovo, 1988)
•    IRNE nomination (best solo performance, Boston 2008)

Sito ufficiale per ulteriori info e foto: www.enniomarchetto.com

CURTIS FULLER – Trombone
PIERO ODORICI – Sax tenore
JIM ROTONDI – Tromba
NICO MENCI – Pianoforte
PAOLO BENEDETTINI – Contrabbasso
JOE FARNSWORTH – BatteriaIl trombonista e compositore Curtis Fuller, è considerato, in ambito jazzistico, il più importante esponente vivente del proprio strumento, nonché una delle figure più rappresentative delle rivoluzioni stilistiche che questa musica ha attraversato negli anni cinquanta e sessanta. Fuller si presenta in Italia alla testa di un quintetto di tutto rispetto composto da Piero Odorici al sax tenore che vanta una lunga carriera artistica nella quale ha collaborato con musicisti di fama mondiale, Jim Rotondi newyorkese di adozione uno dei migliori trombettisti della generazione post-Hubbard, Nico Menci che è attualmente uno dei più richiesti pianisti Jazz del panorama italiano, Paolo Benedettini contrabbassista tra i più quotati  e Joe Farnsworth uno dei batteristi più brillanti della grande mela.

Note

Il 15 settembre del 1957 nello studio di registrazione di Rudy Van Gelder, nel New Jersey, ci sono sei uomini. Sei musicisti provenienti dalla galassia del jazz, cresciuti nel mito di Charlie Parker. Ornithology  la loro religione, ma anche il punto di partenza per evolversi dagli standard fulminei del ragazzo di Kansas City, colui che aveva liberato loro e la loro musica dalle catene dello swing bianco e aveva spalancato la strada verso gli eccessi armonici del jazz più nero che si potesse immaginare.

Nello studio di registrazione di Rudy Van Gelder, nel New Jersey, sei uomini, sei musicisti. Riescono in un’impresa che solo ai grandissimi della musica è riuscita: registrare in un’unica sessione. Buona la prima, come se fosse stata preparata nei decenni, come se nelle loro vite precedenti di orfani e disadattati avessero ripetuto nella mente gli standard e gli accordi che avrebbero segnato per sempre quel 15 settembre nel New Jersey. Era il 1957 e in quello studio vede la luce Blue Train di un certo John. John Coltrane. Forse il capolavoro dell’hard bop, quell’onda elettrica e veloce che seppe coniugare la melodia blues con l’azzardo del jazz, la religiosità dei poveri e dei reietti e la velocità caotica e diseguale della gioventù urbana black che stava spezzando, attraverso la musica, le sue catene.

Alla tromba Lee Morgan, al pianoforte Kenny Drew, al basso Paul Chambers, alla batteria Philly Joe Jones . E al trombone proprio lui: Curtis Fuller.
Tanto per alimentare la leggenda, se ce ne fosse bisogno, Fuller arrivò a registrare con Coltrane dopo che Alfred Lion, della Blue Note, lo ascoltò in compagnia di un altro nome enorme: Miles Davis. Quello del 1957 fu un autunno molto caldo per Fuller. Dopo Blue Train incontrò sulla sua strada Bud Powell e Jimmy Smith (nonché Joe Henderson che fu – ancora un’incredibile coincidenza – suo compagno all’università). Stagione che Fuller ha sempre rivendicato come una delle migliori della sua lunga e prolifica carriera.

Per Fuller, e gli amanti del jazz lo sapranno a memoria, seguirono anni di trionfi, non ultimo quello di essere incluso, primo trombonista della storia, nell’Art Farmer Benny Golson Jazztet. Nel 1961, poi, Fuller diventerà il sesto elemento dei Jazz Messengers di Art Blakey. Nei Settanta la consacrazione mondiale e l’incontro con Dizzy Gillespie e poi di nuovo con Golson a girare i quattro angoli del mondo.

Definire il sound di George Garzone è semplice; basta usare la parola “incredibile” così una jazz magazine ha definito l’arte del 49enne sassofonista del Massachussetts.
 Diplomato alla Berklee School of music di Boston. Degli anni ’70 sono le esperienze con le orchestre di Gil Evans e George Russell; con Bob Moses, David Liebman e Bob Mintzer, 
degli anni ’80 con Steve Kuhn, Eddie Gomez, quindi per la Blue Note Records, registra “So What” e “African Game” come solista di George Russell. 
Negli anni ’90 firma un contratto con la New York City Record per cinque registrazioni da leader. 
Realizza “Alone” omaggio a Stan Getz, “Twos and Fours” con Joe Lovano, nonchè l’ultima uscita “Moodiology”, tra i dischi jazz più venduti in Europa ed America, con Kenny Werner. Con il suo trio storico registra “The Return of the Neanderthal Man”, It’s time for the Fringe!” e “Live in Israel”.Garzone è sideman richiestissimo, docente di sassofono ed armonia presso la Berklee School of Music di Boston, il New England Conservatory e la New York University; tra i suoi allievi Joshua Redman, Robert Stillman, Antonio Hart, Ravi Coltrane, Ivo Perelman.
Proprio durante un seminario alla Berklee, a chi gli chiedeva di come si sentisse ad essere il numero uno, Michel Brecker ha risposto: “Io non lo so, chiedetelo a George Garzone!”

I Soft Machine Legacy sono gli eredi legittimi, dei Soft Machine, band di spicco nell’eclettica e storica scena di Canterbury tra la fine degli anni 60’s e l’inizio degli anni 70’s.
Il progetto presentato col nome di Soft Machine Legacy nacque nel 2004 dal reincontro di Hugh Hopper, Elton Dean, John Etheridge e John Marshall. Oggi dopo le tristi scomparse di Dean nel 2006 e di Hopper nel 2008, Etheridge e Marshall portano avanti il lavoro intrapreso affiancati da Theo Travis il giovane e versatile polistrumentista appartenente alla famiglia dei Gong e da Roy  Babbington , ricostituendo così 3/5 di quella che è stata la formazione dei Soft Machine tra il 1975 e il 1977, ai tempi della realizzazione di ‘Softs’.Quello dei Soft Machine Legacy è un jazz-rock intenso, stretto parente della fusion, sfociato nel 2007 nell’album ‘Steam’. La caratteristica che da sempre accompagna e che continua ad accompagnare i Soft Machine Legacy è la capacità di resistere alle traversie per assencondare un sempre rinnovato slancio artistico, con lo sguardo sempre unicamente rivolto a ciò che viene definito “fare musica” nel senso più stretto del termine. Il loro spirito perdura e si rinsalda nella dimensione live, ad esso assai congeniale. Sono musicisti in grado di fluire in perfetta armonia dal semplice riff rock al free più complesso, dall’improvvisazione scatenata al fraseggio melodico più scritto eseguito con una classe sempre intatta.

LINE UP

John Marshall: batteria (Nucleus, Jack Bruce, John Surman)
John Etheridge: chitarra (Wolf, Andy Summers)
Roy Babbington: basso  (Keith Tippett Group, Centipede, Nucleus,)
Theo Travis: sassofoni (Gong, Jade Warrior, Tangent, Robert Fripp. Porcupine Tree, Steve Jansen/Richard Barbieri/Mick Karn)

L’incredibile successo di Ottmar Liebert a livello globale spesso sembra la naturale conseguenza del suo background nonché del suo spirito vagabondo che lo ha guidato negli anni della sua formazione. Nato a Colonia, Germania da padre cino-tedesco e madre ungherese, ha iniziato a suonare la chitarra ad 11 anni, e ha viaggiato largamente in Europa, Russia e Asia con l’intento di assorbire totalmente le musiche tradizionali che andava via via incontrando. Dopo aver inseguito il suo sogno rock prima nella natia Germania e successivamente a Boston, abbandona le frustrazioni della costa est e si stabilisce a Santa Fe, nel Nuovo Messico.

Già nel 1989,  forma il primo nucleo della sua band, i Luna Negra. L’album Nouveau Flamenco totalmente autoprodotto viene inizialmente distribuito in numero di copie limitate solo a livello locale per accompagnare una serie di litografie dell’artista Frank Howell. Eventualmente qualche copia viene  spedita alle stazioni radiofoniche e inaspettatamente il disco decolla, la HIgher Octave Music, metterà in distribuzione una versione rimasterizzata e nel 1993 l’album è già disco d’oro negli Stati Uniti e nel 1996 diventa platino.

“In un solo anno, sono passato dall’esibirmi nei ristoranti al ritrovarmi ad aprire un concerto per Miles Davis, sono molto felice onestamente fu un salto piuttosto intenso” ricorda Liebert. “La cosa più scioccante per me fu realizzare quanta gente proveniente da così tante culture diverse, accolse questo genere di musica. Ricevo ancora oggi lettre da fan dall’Europa, dal Sud America, dall’Australia, e dall’Asia. E’ stata un’esperienza molto gratificante. Ho avuto l’opportunità di suonare in un ampia varietà di situazioni culturalmente diverse, con musicisti da tutto il mondo, ed è stata un’esperienza grandiosa”.
Da allora Liebert è diventato uno degli artisti di maggior spicco, tra i musicisti strumentali degli ultimi due decenni,  accolto dal largo consenso di un pubblico entusiasta in ogni angolo del mondo.

Al successo di Nuevo Flamenco seguirono quello di Poets And Angels (1990) e di Borrasca (1991), per il quale ricevette la nomination al Grammy. Solo Para Ti (1992) segnò l’inizio della collaborazione di Ottmar Liebert & Luna Negra con la Epic, mentre nel 1993 fu la volta di The Hours Between Night And Day. Nel 1995 uscirono la collezione remixata Euphoria ed il live album Viva!. Nel ’96 uscì il doppio cd Opium e nel ’97 l’album orientato sui classici orchestrali Learning into the Night. Questo storico decennio nonché la sua collaborazione con la Epic si chiusero con l’uscita nel 2001 di Little Wing. Dopodiché Ottmar Liebert torna con la Higher Octave Music per la realizzazione di un elegante album di ninnananne intitolato In the Arms of Love (2002) e di un album con i Luna Negra XL intitolato The Santa Fe Sessions (2003). Da questo momento in poi passa alla  SSRi che ha curato tutti i suoi lavori successivi ad oggi:  La Semana (2004);  Winter Rose (2005), una raccolta di brani originali, musica classica e brani natalizi; il suo primo album da solista One Guitar (2004) che guadagnò a Liebert la nomination al Grammy; Up and Close (2008); The Scent of Light (2008)  album a cui Liebert ha lavorato per 5 anni; Spanish Sun (2009); e l’ultima uscita Petals on the Path (2010).

per ulteriori info e foto: www.ottmarliebert.com

La serata sarà presentata da Daniele Perini

Una serata da raccontare ai nipotini….. assolutamente da non perdere…….

Festeggeremo insieme il termine della stagione 2010/2011 del Socjale in allegria.

Il ricavato sarà devoluto al Comitato Territoriale Welfare della Gente di Mare “Stella Maris” di Ravenna ed al Comitato di beneficenza “Il volo di Martina”.

Il film è una commedia musicale, un viaggio denso di imprevisti e di incontri inaspettati che porta una combriccola di musicisti a mettersi in viaggio per partecipare al Festival del teatro-canzone di Scanzano Jonico, attraversando a piedi la Basilicata, dal Tirreno allo Ionio, lungo il tragitto che dà il titolo al film. Il viaggio avrà per tutti un valore terapeutico…

All’epoca di Brežnev, Andreï Filipov è il più grande direttore d’orchestra dell’Unione Sovietica e dirige la celebre Orchestra del Bolshoi. Ma viene licenziato all’apice della gloria quando si rifiuta di separarsi dai suoi musicisti ebrei, tra cui il suo migliore amico Sacha. Trent’anni dopo lavora ancora al Bolchoi, ma…come uomo delle pulizie. Una sera Andreï si trattiene fino a tardi per tirare a lustro l’ufficio del direttore e trova casualmente un fax indirizzato alla direzione del Bolshoi: è del Théâtre du Châtelet che invita l’orchestra ufficiale a suonare a Parigi…

Niente paura è un film sull’identità nazionale nell’epoca delle “passioni spente”, nell’epoca della crisi radicale della politica, in senso lato. Il film racconta – in modo non ideologico, ma attraverso le storie personali di uomini e donne comuni, di persone conosciute e dello stesso Ligabue – colonna sonora del film e “narratore per eccellenza” – come siamo e come eravamo, in realtà da dove veniamo (fine anni Settanta, primi anni Ottanta, quando si opera una svolta sia nelle istituzioni che nel costume) e quale Paese siamo diventati oggi.

Un film che racconta la contemporanea odissea di Ryan Bingham, un “tagliatore di teste” aziendale, un professionista di viaggi d’affari che, dopo tanti anni spesi felicemente in volo, improvvisamente si sente pronto a cambiar vita. Ryan è sempre stato soddisfatto della sua libertà, vissuta fra i vari aeroporti, alberghi e automobili in affitto d’America. Tutto ciò di cui ha bisogno entra comodamente in una valigia a rotelle: Ryan è un viaggiatore privilegiato, un membro esclusivo di tutti i programmi “mille miglia” di ogni compagnia aerea. E ora che sta per raggiungere l’ambito obiettivo di 10 milioni di miglia…

Una troupe cinematografica sta girando un documentario su una coppia giovane, composta da Giovanni e Lucia, grazie alla quale mostrare l’aspetto meno spettacolare e seducente del lavoro d’attore: insicurezza economica e precariato. In breve tempo però lo scenario cambia, e Giovanni, in preda ad una crisi esistenziale, lascia moglie e figlioletto pochi giorni dopo l’inizio delle riprese. La troupe sceglie allora di raccontare quanto l’instabilità lavorativa della nuova generazione possa incidere sulla sfera affettiva.

Anna è diventata tutto quello che ci si aspettava da lei: ha un impiego modesto ma sicuro, è vitale, affettuosa con la famiglia, gli amici e con il suo compagno Alessio, col quale ha deciso di avere un bambino. Quello che le manca forse è proprio il coraggio di prendersi una responsabilità definitiva verso il suo futuro. Futuro che ha i contorni di un ufficio, di una città che si allarga sempre di più, i toni tenui di un treno che dalla periferia la porta in centro, quelli più accesi di una relazione che le sembra serena.

Il film è stato presentato al Festival di Venezia dove è stato accolto con grande favore.
“Siamo negli anni Settanta, il posto delle donne è ai fornelli” e non al lavoro.
Ma c’è invece una donna che contravviene alla cultura maschilista che vige soprattutto nella sua famiglia: è Suzanne che si ribella al marito ed entra pure in politica, mettendo da parte gli elettrodomestici e i fornelli…

Marguerite non aveva previsto che le avrebbero rubato la borsa all’uscita del negozio, ancor meno che il ladro ne avrebbe gettato il contenuto nel parcheggio. In quanto a Georges, se avesse potuto sospettare, non si sarebbe abbassato per raccoglierlo.

Mammuth, lavora in un mattatoio. E’ un tipo grosso e poco loquace. Ha appena compiuto 60 anni e i suoi colleghi gli hanno organizzato una piccola festa di addio perché sta per andare in pensione. Mammuth lavora da quando ha 16 anni e da allora non ha mai saltato un solo giorno di lavoro. Quando va a ritirare la pensione, gli viene detto che 6 dei suoi precedenti datori di lavoro non gli hanno mai versato i contributi e che spetta a lui provare che ha lavorato in tutti questi anni. Spinto dalla moglie, il nostro eroe inforca la sua vecchia moto, una Mammuth degli anni 70 a cui deve il suo soprannome, e decide di tornare sui luoghi della sua giovinezza. Durante il suo viaggio, incontra vecchi colleghi, amici e parenti persi di vista da anni. Poco a poco si rende conto che all’epoca tutti lo consideravano un imbecille…

Johnny vive a Hollywood nel leggendario hotel Chateau Marmont. Se ne va in giro sulla sua Ferrari e casa sua è un flusso continuo di ragazze e pasticche. Totalmente a proprio agio in questa situazione di torpore, Johnny vive senza preoccupazioni. Fino a quando giunge inaspettatamente allo Chateau la figlia undicenne, Cleo (Elle Fanning), nata dal suo matrimonio fallito. Il loro incontro spinge Johnny a riflessioni esistenziali, sulla sua posizione nel mondo e ad affrontare la questione che tutti dobbiamo affrontare: quale percorso scegliere nella nostra vita?

Benjamin è un brillante e solitario studente, costretto a un’istruzione privata casalinga dall’eccentrica madre. Benjamin coltiva in proprio la passione per la scrittura che lo porta a partecipare ad una convention letteraria. Il ragazzo scopre che una delle sue storie è stata plagiata e riscritta dal leggendario romanziere fantasy Ronald Chevalier e successivamente adattata in una disastrosa pellicola dal più prolifico cineasta dilettante della città…

Sono passati dieci anni da quando Ben (Mark Duplass) e Andrew (Joshua Leonard) erano i ragazzacci del campus del loro college. Ben si è sistemato, ha un lavoro, una moglie e una casa. Andrew ha preso un’altra strada e fa l’artista nomade, viaggiando per il mondo, dal Chiapas alla Cambogia. Quando Andrew si presenta senza preavviso alla porta di Ben, i due riprendono ben presto la loro dinamica macho competitiva. Una sera fanno le ore piccole a una festa “dionisiaca” e si ritrovano intrappolati in una reciproca scommessa: partecipare ad un festival porno-cinematografico per dilettanti. Ma che tipo di film porno “oltre ogni limite” possono fare insieme due etero-sessuali? Una volta esauriti l’alcol e le chiacchiere da spacconi, rimane loro una sola idea: faranno sesso insieme… davanti ad una telecamera. Non è gay, va oltre l’omosessualità. Non è porno, è arte. Ma come funzionerà esattamente? E soprattutto, chi lo dirà ad Anna (Alycia Delmore), la moglie di Ben?

Ripartendo dal bellissimo Happiness, Solondz torna a narrare, attraverso gli occhi di tre sorelle, le cui famiglie sono vittime di pesantissime tragedie quali pedofilia, depressione e solitudine, un’America che esiste e di cui nessuno vuol parlare. Il racconto è basato su due tematiche, forgive and forget, perdonare e (o) dimenticare….se si dimentica, non si perdona; se si perdona, spesso non si dimentica. La questione del perdono e dei suoi confini si insinua attraverso una serie di storie d’amore che si intrecciano, fornendo chiarezza e, probabilmente, alternative al sollievo che dà l’oblio. Sono passati dieci anni dalle scioccanti e tragiche rivelazioni che hanno mandato in frantumi il mondo della famiglia Jordan. Ora, i fantasmi si aggirano e incombono, tormentano e consolano mentre Joy (Shirley Henderson) scopre che suo marito Allen (Michael Kenneth Williams) non è del tutto guarito dal suo peculiare “disturbo” e fugge alla ricerca di conforto e consiglio da parte di sua madre e delle sue sorelle. Viene perseguitata da visioni del suo ex corteggiatore Andy.

Quando deve vendere la casa di famiglia dopo la morte di sua madre, Tamara Drewe torna nel paesino del Dorset in cui è cresciuta, creando scompiglio nella piccola comunità. L’adolescente sgraziata di un tempo è diventata una conturbante femme fatale, che ovunque vada lascia dietro di sé una scia di invidie, passioni e pettegolezzi.Tutta la programmazione cinematografica è realizzata grazie alla collaborazione di Fondazione Cassa di Risparmio.

Rita O’Grady guidò nel 1968 a Ford Dagenham lo sciopero di 187 operaie alle macchine da cucire che pose le basi per la Legge sulla Parità di Retribuzione. Lavorando in condizioni insostenibili e per lunghe ore rubate all’equilibrio della vita domestica, le donne della fabbrica della Ford di Dagenham perdono la pazienza quando vengono riclassificate professionalmente come “operaie non qualificate”. Con ironia, buon senso e coraggio riescono a farsi ascoltare dai sindacati, dalla comunità locale ed infine dal governo. Rita, la loquace e battagliera leader del gruppo, risulterà un ostacolo non facile per gli oppositori maschi e troverà nella battaglia della deputata Barbara Castle la sua eco per affrontare il Parlamento, maschilista.Tutta la programmazione cinematografica è realizzata grazie alla collaborazione di Fondazione Cassa di Risparmio.

Londra, 1818: tra il 23enne poeta John Keats e la sua vicina di casa, la studentessa di moda Fanny Brawne, nasce una relazione segreta. Si tratta di una strana coppia, visto che inizialmente lui la riteneva una superficiale e lei rimaneva indifferente non solo alla sua poesia ma alla letteratura in generale. Ma quando Fanny scopre che John accudisce il fratello malato e si offre di aiutarlo, Keats ne rimane colpito. E quando lei gli chiede di insegnargli qualcosa sulla poesia lui accetta, e le loro lezioni finiranno col farli innamorare appassionatamente. Quando la madre di Fanny e gli amici di John si accorgono della relazione, i due sono profondamente innamorati e indissolubilmente legati l’uno all’altra. La loro romantica ossessione si farà sempre più profonda e intensa con l’aumentare dei problemi che devono affrontare.Tutta la programmazione cinematografica è realizzata grazie alla collaborazione di Fondazione Cassa di Risparmio.

Simon Konianski ha trentacinque anni, un bambino e poca voglia di impegnarsi nella vita. Ipocondriaco e separato dalla moglie, una danzatrice goy, Simon è costretto a ripiegare sulla casa del padre con cui vive un rapporto conflittuale. Ernest, ex deportato, abita nella provincia belga e in un passato doloroso che espone come una favola al nipotino. Alla morte del padre, Simon scoprirà che l’uomo nascondeva un segreto, una prima moglie morta giovane, accanto alla quale desidera essere seppellito. Escluso il dispendioso viaggio in aereo, Simon partirà alla volta di Lublino a bordo del suo fuoristrada e in compagnia del figlio e di una coppia di zii. La visita al campo di concentramento di Majdanek e l’incontro con la comunità ebraica locale, muoveranno Simon alla commozione e alla maturità.
Simon Konianski è un ebreo che non vuole avere niente a che fare con gli ebrei, che aspira alla “normalità” e per questo sente il bisogno di “rinnegare” il padre, o almeno di disubbidirgli. Spettinato e incerottato, Simon preferisce indossare una felpa filo-araba con la scritta “Baghdad” nel tentativo di fugare ogni possibile fraintendimento circa le sue origini e le sue posizioni. Il sipario si alza allora su un doloroso (e necessario) strappo di natura generazionale. La morte annunciata del genitore lascia tuttavia Simon con la responsabilità di doversi riappropriare di un’identità perduta. Micha Wald, regista belga al suo secondo lungometraggio, getta le premesse per un’esilarante commedia familiare, che attraverso il filtro cattivante dell’ironia, esplora temi e nodi fondamentali della cultura ebraica. Il racconto si svolge on the road, dividendo senza possibilità di riconciliazione due generazioni: quella del “giovane” Konianski, ebreo secolarizzato che rifugge la tradizione ebraica e l’ebraismo e quella degli anziani, religiosi ferventi attraversati dal fantasma della Shoah. I vecchi traumi della deportazione nazista e degli arresti della Stasi emergono dalla convivenza forzata in auto tra zii e nipote.Tutta la programmazione cinematografica è realizzata grazie alla collaborazione di Fondazione Cassa di Risparmio.

Una mina che esplode nel cuore del deserto marocchino e, qualche anno più tardi, una pallottola vagante che lo colpisce alla testa conficcandosi nel cervello…Bazil non ha molta fortuna con le armi. La prima lo ha reso orfano, la seconda rischia di farlo morire di colpo in ogni istante. Uscito dall’ospedale Bazil si ritrova per strada. Per puro caso, questo dolce sognatore, viene raccolto da una banda di straccivendoli. Un giorno passando davanti a un imponente edificio, Bazil riconosce il simbolo dei due fabbricanti d’armi che sono all’origine delle sue disgrazie. Aiutato dalla sua banda, decide di vendicarsi.Tutta la programmazione cinematografica è realizzata grazie alla collaborazione di Fondazione Cassa di Risparmio.

Christine ha trascorso la maggior parte della sua esistenza inchiodata a una sedia a rotelle. Decide di recarsi a Lourdes, il leggendario luogo di pellegrinaggio situato nel cuore dei Pirenei, per uscire dall’isolamento. Una mattina, al risveglio, si scopre apparentemente guarita da un miracolo. La guida del gruppo di pellegrini, un affascinante quarantenne membro dell’Ordine di Malta, comincia a mostrare un certo interesse nei suoi confronti. Mentre la sua guarigione suscita gelosia e ammirazione, Christine cerca di afferrare la nuova occasione di felicità che la vita le ha offerto.Tutta la programmazione cinematografica è realizzata grazie alla collaborazione di Fondazione Cassa di Risparmio.

In seguito ad un esaurimento nervoso, l’ex sciatore professionista Jomar Henriksen lavora come impiegato sulle piste. Un tempo campione internazionale di discesa libera, ormai ha rinunciato completamente allo sport per vivere isolato in mezzo alla neve. Non vuole più sentire parlare di sci e si disinteressa del suo lavoro. Invece di occuparsi degli impianti di risalita, passa il suo tempo a bere e fumare. Un bel giorno, quando un suo vecchio amico si presenta da lui, Jomar intravede la possibilità di girare le spalle a questa esistenza e iniziare una nuova: il suo amico gli annuncia che ha un figlio che vive nel nord del paese. dopo aver dato fuoco per sbaglio al suo alloggio, Jomar si mette in viaggio sulla sua motoslitta con, come unica scorta, 5 litri di alcool.Tutta la programmazione cinematografica è realizzata grazie alla collaborazione di Fondazione Cassa di Risparmio.